Dans le cadre de la grande manifestation réunissant les institutions culturelles lyonnaises autour du thème L'Esprit d'un siècle, Lyon 1800-1914, le musée des Beaux-Arts présente une exposition consacrée à l'École lyonnaise de peinture.
Apparue sous la Restauration, la notion d'« École lyonnaise » concerne à l'origine des artistes du genre « troubadour » étroitement liés à l'existence de l'Ecole des Beaux-arts. Reconnue au Salon de 1819, elle sera consacrée en 1851 par la création au musée d'une Galerie des peintres lyonnais. Sa définition et son contenu firent longtemps l'objet de prises de position aussi décidées qu'opposées et il est légitime de s'interroger aujourd'hui sur l'existence même d'une école lyonnaise. A ce titre, l'exposition s'inscrit dans un mouvement plus général de réévaluation de la géographie artistique européenne au XIXe siècle. Hors de Paris ou de Londres, de grandes métropoles furent des foyers de création essentiels que l'histoire de l'art au XXe siècle a quelque peu négligés : Milan, Manchester, Düsseldorf, Barcelone, Copenhague, Lyon.
L'exposition est rythmée par un parcours de neuf sections. Elle se prolonge au sein des collections permanentes par quatre présentations satellites. Pour vous accompagner tout au long de votre visite au musée, un petit livret l'expo en poche vous est offert à la billetterie de l'exposition.
Commissariat scientifique de l'exposition :
- Pierre Vaisse, professeur honoraire d'histoire de l'art à l'Université de Genève.
- Sylvie Ramond, directeur du musée des Beaux-Arts de Lyon
- François Fossier, professeur des Universités
- Gérard Bruyère, bibliothécaire au Musée des Beaux-Arts de Lyon
- Assistés de Yuriko Jackall
L'exposition met en évidence la diversité des groupes et des tendances qui composent cette Ecole et retrace ses mutations jusqu'à la Première Guerre mondiale :
- Genre historique (Révoil, Richard, Jacquand) ;
- Peinture de fleurs (Berjon, Déchazelle, Thierriat, Saint-Jean, Castex-Dégrange) ;
- Peinture de genre (Bonnefond, Genod) ; peinture religieuse (Orsel, Janmot) ;
- Renouveau du grand décor religieux (Flandrin, Frenet) ; romantisme (Guichard, Seignemartin, Bellet du Poisat) ;
- Symbolisme (Puvis de Chavannes, Séon) ;
- Paysage (Allemand, Appian, Carrand, Ravier), etc.
L'exposition se conclut avec l'évocation de l'Exposition internationale de Lyon de 1914, à laquelle figuraient des artistes tels que Picasso et Matisse.
A cette occasion, le musée expose de nombreuses œuvres de ses réserves, comme les cartons de Paul Chenavard pour le Panthéon et la série dessinée du cycle de Louis Janmot, Le Poème de l'âme, ainsi qu'un grand nombre d'œuvres inédites appartenant à des collections particulières.
Cette exposition a valeur d'événement. Encore mal connue, l'Ecole lyonnaise n'a été étudiée que de manière fragmentaire. Par ailleurs, aucune manifestation de grande ampleur ne lui a été consacrée depuis... 1937 (Puvis de Chavannes et la peinture lyonnaise du XIXe siècle) et 1948 (La peinture lyonnaise du XVIe au XIXe siècle). Les expositions organisées au Musée des Beaux-Arts au cours des vingt dernières années privilégièrent essentiellement une présentation par genres ou des monographies d'artistes.
Ainsi, pour la première fois, l'Ecole lyonnaise de peinture est présentée dans son double contexte français et européen. Alors même que pour certains historiens de l'art, l'activité de tout un groupe de peintres lyonnais apparaît comme une des phases capitales du préraphaélisme européen, jamais le cycle du Poème de l'âme de Janmot n'avait été rapproché des illustrations du Dante de Blake, ou d'autres artistes du Nord. De même, si la question des rapports des peintres lyonnais avec les Nazaréens a souvent été discutée, les chefs d'œuvre des Nazaréens n'ont jamais été mis en face des œuvres de cette "Ecole de peinture philosophique" (Orsel, Janmot et Chenavard), comme la qualifiait Charles Baudelaire.
Les coulisses de l'exposition
Dans le cadre de l'exposition «Le temps de la peinture », le musée des Beaux-Arts souhaite valoriser son fonds en présentant un nombre important d'œuvres de la collection peu vues jusqu'à ce jour. Cet évènement est ainsi accompagné d'un important travail de restauration, destiné à redonner tout leur éclat à des peintures ayant subi les outrages du temps.
Les restaurateurs ont en France un statut de profession libérale. Ils ont chacun une spécialité, correspondant à un type d'œuvre : peinture (couche picturale ou support), arts graphiques, sculpture, céramique et verre, métal, mobilier, textile, photographie,Quatre formations sont reconnues par l'Etat et permettent de bénéficier d'une habilitation à travailler pour les musées de France : l'Institut National du Patrimoine, la maîtrise de sciences et techniques de l'université Paris I, les écoles d'Avignon et de Tours.
Restauration des peintures
Différents stades d'intervention ont été nécessaires sur les peintures, allant d'un simple nettoyage à des opérations beaucoup plus spectaculaires.
Une œuvre a en particulier constitué un cas remarquable compte tenu de la complexité du travail à mener : le Vœu à la Madone de Jean-Claude Bonnefond, confié à Aloÿs de Becdelièvre. Largement endommagée par d'anciennes restaurations abusives, cet incunable de la peinture lyonnaise n'était plus montré au public depuis de nombreuses années, fortement usé par un nettoyage trop poussé et défiguré par des repeints maladroits. Le défi de cette intervention consistait à retrouver l'harmonie colorée originelle, attestée par l'ensemble des documents anciens, composée de tons chauds avec un fort clair-obscur. Des recherches poussées ont été menées pour réunir le plus de sources possibles, jusque dans les comptes-rendus donnés par les critiques du temps, tous témoignant de cette même ambiance générale. L'œuvre a ainsi pu retrouver sa subtilité et son atmosphère quasi mystique de recueillement qui avait pratiquement disparu.
Pour en savoir plus : Aloÿs de Becdelièvre, « Une harmonie colorée retrouvée », Le temps de la peinture : Lyon 1800-1914 , Fage éditions, Lyon, 2007.
Restauration des cadres
L'encadrement d'une peinture constitue un élément essentiel dans la perception de l'œuvre par le spectateur. C'est pourquoi une attention toute particulière a été apportée au cadre : dépoussiérage, consolidation des moulures et des ornements fragiles, atténuation des lacunes, de manière à constituer autour de l'œuvre un écrin qui la mette en valeur du mieux possible, en respectant aussi un souci d'unité tout au long du parcours de l'exposition.
Le Parcours
Introduction
Ici, de jeunes artistes dessinent dans un atelier ; là, ils travaillent en plein air à l'occasion d'une partie de campagne à l'Île-Barbe : ainsi s'ouvre l'exposition Le Temps de la peinture, Lyon 1800-1914.
1. Naissance d'une école
Portraits de groupe, scènes d'atelier, autoportraits, académies : ces œuvres témoignent de la vitalité de la nouvelle École des Beaux-Arts qui ouvre en 1807.
L'école, d'hier à aujourd'hui
- 1756 : ouverture d'une école gratuite de dessin.
- 1780 : création de l'École royale académique de dessin.
- 1795 : ouverture de l'École de la fleur. 1807 : la nouvelle École impériale des Beaux-Arts de Lyon, créée en 1805, s'installe au Palais Saint-Pierre, place des Terreaux.
- 1936 : l'École nationale des Beaux-Arts déménage cours des Chartreux (aujourd'hui boulevard de la Croix-Rousse, Lyon 1er).
- 1960 : inauguration de la nouvelle École réalisée par l'architecte Paul Bellemain, rue Neyret (Lyon 1er).
- 2007 : l'École s'installe aux Subsistances, quai de Saône (Lyon 1er).
2. Un passé retrouvé
En renouant avec le Moyen Âge, les artistes lyonnais ouvrent de nouvelles perspectives et participent à l'invention d'une peinture d'histoire qui donne au sentiment une place inédite.
3. Le sentiment du quotidien
Formés par Fleury Richard et Pierre Révoil, la première génération des artistes sortis de l'École des Beaux-Arts s'échappent des thèmes médiévaux, imposant de nouveaux sujets inspirés de l'actualité ou du quotidien. Leur recherche est placée sous le signe des maîtres hollandais et de Greuze.
4. La fleur : du motif au tableau
À l'origine, la peinture florale à Lyon est étroitement liée à l'industrie manufacturière des étoffes de soie. Mais par-delà l'impératif commercial, la fleur devient au fil du siècle un véritable enjeu artistique, de plus en plus autonome, délié de son origine marchande.
La Fabrique : Après la Révolution française et jusqu'aux années 1880, la Fabrique de soierie redevient à Lyon le noyau central de la richesse et du dynamisme de la ville. Au début du 19e siècle, le renouveau commercial et le redressement de la Fabrique sont encouragés par Napoléon et favorisés par les innovations techniques comme le métier à tisser de Jacquard. Contrairement à une manufacture, quicentralise la production (usine), la Fabrique fait appel à de nombreux corps de métiers indépendants répartis dans la ville et lesalentours (ateliers). Pour la conception des motifs qui seront ensuite tissés par les canuts, la Fabrique a recours à des dessinateurs capables de créer de nouveaux modèles.
5. Pour un renouveau spirituel
Après la Révolution, le 19e siècle est marqué par un profond mouvement spirituel et la volonté des Églises chrétiennes de restaurer leur influence. Au début du siècle, la reconstruction religieuse du diocèse de Lyon s'engage dans une ère de foisonnement philosophique et d'idéalisme mystique.
« Ma manière d'envisager les arts est un appel à toutes les intelligences ; et de même qu'il est nécessaire de se faire comprendre et d'attirer la foule, de même il est nécessaire de satisfaire et même de développer s'il se peut les intelligences les plus élevées [...]. Dans la chaire, la parole met l'homme au-dessus de l'homme : il fait prédominer chez lui la partie divine, le lien qui le rattache au Créateur ; l'image est la prédication permanente, la prédication qui entre par l'œil au lieu d'entrer par l'intelligence et qui, si elle est d'abord moins vive, a l'avantage d'être perpétuelle ». Victor Orsel
6. Un art philosophique
Pour le poète et critique Charles Baudelaire, les peintres lyonnais auraient sacrifié le « charme propre de la peinture » pour réaliser, dans leurs tableaux, des hiéroglyphes indéchiffrables.
Le débat esthétique
Dans un de ses essais critiques, Charles Baudelaire écrit :
« Qu'est-ce que l'art philosophique suivant la conception de Chenavard et de l'école allemande ? C'est un art plastique qui a la prétention de remplacer le livre, c'est-à-dire de rivaliser avec l'imprimerie pour enseigner l'histoire, la morale et la philosophie. »
Cette prise de position illustre les débats qui animent les milieux artistiques au 19e siècle, entre les défenseurs d'un art plastique autonome et ceux qui prônent une peinture capable de contribuer à l'éducation morale.
7. L'histoire au présent
Recherches d'atelier pour évoquer une histoire médiévale fantasmée, esquisses réalisées face aux horreurs de certains événements contemporains, ces œuvres témoignent de conceptions différentes de l'histoire en peinture.
« [...] J'ai été avec Meissonier chez lui, voir son dessin de la Barricade. C'est horrible de vérité, et quoi qu'on ne puisse dire que ce ne puisse être exact, peut-être manque-t-il le je ne sais quoi qui fait un objet d'art d'un objet odieux. »
Eugène Delacroix, Journal, 5 mars 1849
8. Le paysage : de l'atelier au plein air
Plusieurs générations de peintres sont ici rassemblées. Paysages minutieux réalisés en atelier, peintures de petit format exécutées sur le motif : les recherches des Lyonnais face à la nature permettent de découvrir les facettes d'un pays patiemment observé.
9. Vers la modernité
Au terme de ce cheminement à travers l'histoire de la peinture à Lyon au 19e siècle, il est essentiel de rendre ici hommage à celui qui a ouvert une voie de la modernité en art, influençant durablement de nouvelles générations d'artistes.
Le projet de l'escalier du musée
En 1883, Pierre Puvis de Chavannes se voit confier par la ville de Lyon le décor du nouvel escalier du musée. En concertation avec ses commanditaires, Puvis déroule, en trois vastes compositions peintes sur toile, le cycle de la double origine de l'art, soit la forme (Vision antique) et le sentiment (Inspiration chrétienne). Au centre, Le Bois sacré cher aux Arts et aux Muses symbolise le musée, lieu d'une possible rencontre avec les muses qui représentent les différents arts. Une quatrième composition mettant en scène les allégories de la Saône et du Rhône évoque les qualités artistiques de la Force et de la Grâce. Elle encadre la porte qui conduisait, à l'époque, à la salle des artistes lyonnais.
Quatre présentations satellites
1. Entre deux-mondes : l'Exposition internationale de 1914
Cette présentation évoque l'Exposition internationale urbaine organisée par la Ville de Lyon en 1914. En ce début du 20e siècle, cet événement est le reflet d'un monde occidental qui croit au progrès scientifique, technique et à celui de la civilisation.
Au cœur de l'exposition, la section réservée aux beaux-arts est tout à fait innovante dans le choix des œuvres présentées au public lyonnais. Y figurent les œuvres d'artistes internationaux souvent peu connus encore du grand public : Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Rouault, Paul Sérusier, Diego Rivera,
À leurs côtés, les peintures des Lyonnais Eugène Brouillard, Pierre Combet-Descombes, Pierre Bépi-Martin, Adrien Bas annoncent les nouvelles tendances de l'art à Lyon, au début du nouveau siècle. Présentée dans la grande halle conçue par l'architecte Tony Garnier, la visite de l'Exposition permettait de découvrir cette ambitieuse construction métallique tout juste achevée, signe d'une nouvelle ère urbaine. Installée dans le quartier de La Mouche (Gerland), elle était destinée à abriter les abattoirs de la ville.
Août 1914. Ouverte depuis quelques semaines, l'Exposition est interrompue : la déclaration de guerre de l'Allemagne à la France fait basculer l'Europe dans un long conflit meurtrier.
2. Le Salon des Fleurs
Dès 1811, une salle est consacrée au musée de Lyon à la peinture florale. Agencé dans l'esprit des demeures aristocratiques, le Salon des Fleurs rassemble à partir de 1815 des œuvres maîtresses de la grande tradition de la peinture de fleur ainsi que celles des nouveaux peintres formés à l'école des Beaux-Arts.
Le portrait sculpté d'Antoine Berjon au centre de la salle rappelle le rôle essentiel qu'a joué cet artiste dans le développement de la peinture de fleurs à Lyon, comme en témoignent ses œuvres présentées sur le mur ouest aux côtés d'autres peintures lyonnaises du 19e siècle.
Sur le mur sud, les réalisations des Hollandais du 17e siècle Jan Davidsz de Heem et Abraham Mignon rappellent le raffinement de cet art du détail et du symbole. Face à elles, sont réunis des tableaux réalisés par des Flamands aux 18e et 19e siècles dans un esprit plus décoratif. A l'est, c'est la tradition française du 17e siècle qui est évoquée, à travers plusieurs œuvres de Jean-Baptiste Monnoyer. Si ces différentes générations perpétuent un même modèle bouquets composés, tables de marbre, souci du détail jusqu'à l'illusion, chacune apporte sa note particulière.
3. Le Poème de l'âme de Louis Janmot
Le Poème de l'âme est, en Europe, un des jalons du spiritualisme en peinture. Composé d'un long texte de plusieurs milliers de vers et d'un double cycle de tableaux et de grands dessins, Janmot y exprime ses convictions philosophiques et religieuses.
Le cycle peint raconte le cheminement d'une âme, de son arrivée sur terre jusqu'à l'âge adulte, accompagnée dès l'enfance par une compagne, double féminin. Ensemble, ils traversent les différentes étapes de la vie et les épreuves successives, toujours tendus par le désir de retourner vers le ciel. Les grands dessins qui font suite à ce premier cycle montrent l'homme seul, en proie aux souffrances et aux tentations. Le fil conducteur du Poème de l'âme est très proche de celui de L'Homme de désir écrit par l'illuministe français Saint-Martin à la fin du 18e siècle. Ce courant de pensée semble avoir marqué profondément Janmot. Pour lui, l'homme est un exilé, séparé du Créateur, et qui cherche à réintégrer l'unité primordiale divine. Né à Lyon en 1814, Janmot y fera ses études et une grande partie de sa carrière, après un passage dans l'atelier du peintre Jean Dominique Ingres. Réalisées entre 1835 et 1855, les 18 peintures ont été présentées à l'Exposition universelle de 1855 à Paris sur la recommandation du peintre Eugène Delacroix.
4. Le projet de décor du Panthéon de Paul Chenavard
Sont rassemblés dans l'espace 6ter, six dessins préparatoires, cinq des quarante-deux grandes compositions qui retracent l'histoire de l'humanité de la Genèse à la Révolution, et le projet peint de La Palingénésie sociale dans une version de grand format. Cet ensemble permet de mesurer l'ambition intellectuelle du projet : au-delà d'une histoire individuelle ou même nationale, Chenavard rassemble toutes les grandes figures de l'histoire humaine en une grande fresque visuelle. Né à Lyon en 1807, Paul Chenavard s'installe jeune à Paris. Penseur autant que peintre, il est nourri de philosophie, lit et voyage beaucoup, fréquente tous les milieux artistiques et littéraires de son temps. Il est le principal représentant de ce courant que dénonce Baudelaire sous le nom d'Art philosophique.
